抽象 | 在抽象表现主义、禅宗与精神疾病中诞生的艺术世界——艾格尼丝.马丁

库艺术 2017-03-28


艾格尼丝·马丁


美是生命之谜,它不只是在眼里。它在头脑里,它是我们对生活的积极回应。

 ——艾格尼丝·马丁



编者按


20世纪60年代是美国现代艺术史上灿烂辉煌的一页,诞生了许多至今具有深刻影响力的艺术家。自由精神的土壤给艺术创作提供了优渥的条件,艺术家们的创作活力极高,革命性的艺术探索不断发生,抽象派运动是其中最为重要的一个。


在抽象派运动内部,逐渐发展出两个分支:一支浓墨重彩、注重表现,如波洛克 ; 一支倾向色彩线条的沉静,注重内省表达方式,如马克·罗斯科 。在抽象派运动的基础之上,则又发展出主张消除创作者意志的极简主义,艾格尼丝马丁的创作就被归为极简主义,而同时她也和抽象表现主义画家关系密切,是20世纪60年代这场由男性主导的运动中为数不多的女性艺术家。




而立之年,初提画笔


当人们看到抽象作品或是极简风格的作品时,往往觉得不理解,看不懂,但事实上每一个选择创作这种风格的艺术家背后都有着不一般的故事。


马丁认为自己是个抽象表现派画家,而非极简主义画家,因为她的画关注自己的情感诉求,饱含情感表达。马丁通过艺术创作表达和探求什么是快乐,她的创作和自己的个人经历有密切的关系。她说:


我希望我的画可以做出一种回应,不是具体的,而是对一种普遍的状况的回应——当人们忘掉自我,身处在大自然中,简单快乐的经验。

 


1912年,艾格尼丝·马丁出生于加拿大萨斯卡通省的一个贫穷的牧业区,青年生活的环境相对孤僻和简单,1932年移居美国。正式开始艺术创作时,她已经30岁,作为一个艺术家,她一直都是坚定、富有创造力且极具抱负的。在把艺术作为职业之前,她做过五花八门的工作,甚至包括木材公司联络人。马丁先后在纽约哥伦比亚大学获得学士(1942年)和硕士学位(1952年),在哥大期间参加了著名禅宗学者铃木大拙(D.T. Suzuki)的讲座,受到很大的启发。虽然马丁从未把禅宗当做一个宗教信仰来实践,但是她的艺术创作理念被认为和禅宗思想有着紧密的联系。

 


1957年,马丁在传奇画廊主贝蒂·帕森斯(Betty Parsons)的邀请下从新墨西哥州搬回纽约,在曼哈顿下城的一个艺术社区居住。贝蒂·帕森斯也是发掘马丁艺术才华的伯乐,在1958年为她举办了第一个个展。在这期间,马丁快速融入了当时风起云涌的纽约艺术圈,她与抽象表现主义画家罗伯特·劳森伯格(Robert Rauschenberg)、贾斯伯·琼斯(Jasper Johns)、极简主义画家埃斯沃兹·凯利(Ellsworth Kelly)成为好朋友,在受他们影响的基础上发展出了自己艺术创作的语言。



与精神分裂症的纠缠


在艾格尼丝·马丁40年的创作生涯中,她一直孜孜不倦地画着同一个主题——一种清洁、单一、重复、精细严谨,以线条和网格为主的绘画。与同时期抽象画家大量使用艳丽的色彩不同,马丁的颜色柔和呈灰色调,而且她只使用极少的颜料和最简单的工作。她的艺术受到了当时抽象表现主义艺术家与中国道教和东方哲学影响,在作品裡常见的“网格”,则代表道教的静心思考。因此,她经常将不安的情绪绘制成整齐的“网格“,呈现一种完美、平静与满足的心理状态。


马丁认为,她的画关注内心情感世界的表达,一个完美却不可能实现的满足静的愿望相结合。



1961年,她被诊断为偏执型精神分裂症,然后一生都饱受这个疾病带来的折磨,症状包括幻听、抑郁和焦虑。她经常听到各种不同的声音,有时是话语,有时是音乐。


马丁一直饱受精神分裂症困扰早已不是什么秘密。疾病侵袭时,她甚至需要接受电击治疗。1967年离开纽约后,马丁彻底从艺术圈蒸发,在新墨西哥州的陶斯艺术社区(Taos)独居,没人知道她脆弱时是什么样子。尽管这位美国抽象派画家遭受着精神疾病的困扰,但却从未影响到她的作品。她简洁的铅笔线条、柔和的色彩以及严密的网格同时表达了控制和逃脱两个概念;她总是试图通过绘画来探索人类永恒、本质和最细微的情感。她的艺术创作全是积极的情感——始终在画中表达幸福、完整、快乐,正如每一个观众站在马丁的画前所感受到的宁静和隽永的感受一样。



她的艺术特点是具有清晰性、严谨性、从不排斥任何人类特质的精密性以及一种内在的意识。人们从她的艺术作品中可以同时解读出控制和逃脱两个概念。但首先,它们都是画作。这些诞生于孤独和宁静的作品,其购买需求大多是来自美国。和其他画家一天内就在一张画布上浇大量颜料的创作方式不同,马丁所有的作品只用少量颜料,几卷胶布以及一盒铅笔来创作完成。她给自己设定了严格的限制。

 

马丁从停止绘画到回归绘画是在1971年。这一时期,她作品中的网格消失了,取而代之的是要么水平,要么垂直的线条,并且开始有了颜色,那些淡粉色和的条状,或者灰白色和淡棕色的线条,当观众凝视画面时有一种光线穿透的效果。这些画作与过去那些画面不透明的和的作品形成了一种对比。



上图为马丁创作生涯中期的《岛屿 I – XII》(The Islands I–XII)。这件作于1979年的作品是艺术家成熟时期的代表作,由12幅72×72英寸的画组成。从远处看,12幅画作仿佛相同的白色绘画,近看才发现每一幅画的细节之处。

画作近似单色,实际上画面上有浅灰色和白色的过渡,马丁用非常细微的线条将几幅画的画面隔成数量不等的网格状。马丁在《岛屿 I – XII》中,被认为用绘画语言表现了东方哲学中的“空”。在她心中,“空”和完全的清洁才是纯净和美丽。



“艺术家的手”


艾格尼丝·马丁常说,自己用了20年时间才画了一幅喜欢的画,即符合她概念里完全抽象的画作。事实上,马丁也是一个对自己的作品极为苛刻的人。她销毁了大量不满意的早期作品,1967年离开纽约时销毁了一批,在临终前还派人去工作室把几幅画处理掉,可见她对完美的极致追求。此次展览展出了几幅珍贵的马丁早期作品,包括受抽象表现主义同僚影响的早期探索《无题》(约1957年),少见的带有圆圈元素的金色绘画《花蕾》(Buds),和网格纸作品代表《春田》(Springfield)。


 
 

60年代中期,马丁因为精神疾病住院,1967年从纽约离开后,中间一度停止创作。1974年,马丁重新恢复创作,她将封闭的格子打开,使画面更加线条化,放弃单纯使用灰色和白色,开始给画布涂上一层薄薄的柔和色彩。从此之后,条形的淡色绘画成为她的标志符号。晚年时,马丁又将大胆的几何图形加入了自己的绘画。无论是早期精密、带有机械感的铅笔线条和网格,还是后来发展出的彩色条纹,“艺术家的手”始终在艾格尼丝·马丁的创作之中。直到92岁高龄,马丁仍旧进行着创作。


后期的艾格尼丝·马丁如同光影大师,组合着那些不借助工具而手绘出的宽度不一的线条以及缥缈的、闪烁着微光的色彩,在画布上呈现出处于空间中的变化的光影效果。


1989在接受采访时,马丁说“美丽与完美是相同的,但他们从未发生过幸福。”她的许多作品具有很积极的名字如“我爱整个世界”(1999)等,丝毫看不出抑郁的宣泄。

 

 

在她生命的最后阶段,她开始重新加入形状:一个黑色的梯形,一对山一样的三角形。这是自20世纪50年代以后她所创作的作品中最像是“绘画作品”的作品。那时她已经90多岁了,她可以做任何她想做的,并且她做到了。马丁坚持创作,并不断调整作画风格,直到2004年逝世前,马丁还在创作自己的最后一幅画。


她的画都在试图表现一种最直击人心、最纯粹的情感。而她说为了做到这一点,自己花了20年。马丁会用刮刀毁掉自己不满意的画,再重来。直到临终前还派人去工作室销毁了几幅。


经常有人问:“你这画的啥?” 对此,  她说:“你们接受用音乐来表达一种情感,为什么对于画作就非要问个解释呢?”


艾格尼丝马丁展览现场


图文出自网络,版权归原作者所有。

  

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