理查德·塔特尔 Richard Tuttle | 我感兴趣的是事物那种微妙的情绪

库艺术 2019-09-03



理查德·塔特尔

Richard Tuttle


理查德·塔特尔于1941年生于美国新泽西,现工作和生活于缅因、新墨西哥和纽约。他的作品多被纳入全世界最重要的私人和公共收藏之中。其近期回顾展陆续在旧金山现代艺术美术馆、惠特尼美国艺术美术馆、芝加哥当代艺术美术馆、洛杉矶当代艺术美术馆和伦敦白教堂艺术中心展出。他的其他成就包括泰特现代美术馆涡轮大厅的大型委托创作、威尼斯双年展(1976、1997、2001)、卡塞尔文献展(1972、1977、1987)和参展惠特尼双年展(1977、1987、2000)的参展经历等。



Richard Tuttle, Cloth Octagonal, 2, 1967, Dyed and sewn canvas © 2019 Richard Tuttle,纽约MoMA馆藏






Richard Tuttle at work 




"我感兴趣的是事物更安静的那一面,那种微妙的情绪。"

——理查德·塔特尔



理查德·塔特尔1941年生于美国,他自上世纪70年代以来多次挑战了主流艺术流派及创作媒介的规则,对当代艺术的进程有着变革性的影响,被称为“艺术家心中的艺术家”。作为美国后极少主义的代表艺术家之一,塔特尔擅长以简朴的材料着重展现线条、形状、颜色和空间等艺术思考的核心问题。他的作品超越了理性的判断,引导观者体会感知与无意识,并持续颠覆着传统材料、媒介和创作手法的限制。



Prehistoric Writing, 5, 2016



Richard Tuttle, TBD 3, 1976, fence wire, paint © 2019 Richard Tuttle



理查德·塔特尔于1963年来到纽约的时候,正是极少主义和波普艺术占主导地位的时期,画廊美术馆被冷静的工业式的大尺寸装置所占据。而他并未追随这种主流的艺术潮流,而是创作了一系列极小尺寸的手工作品,并重新将人的主观感受带回到艺术之中。正如艺术家自己所言,重要的不是作品的尺寸,而是“尺度”,相对于前者精确而标准化的度量概念,后者更强调人们与物、与空间的相对关系,以及由此引发的个人化的感受与体验。



1975年,纽约惠特尼美术馆为塔特尔举办的大型个展引起了艺术界的极大争议,他用最简单的材料在墙面上构图,为巨大的美术馆展厅注入了前所未有的气氛,以极端的“轻”挑战了彼时的既有认知。



在他的早期创作实验中,曾尝试制作了约70个有着细微变化的手掌大小的立方体,这组作品显示了他于最基础形式中创造大量细节变化的能力。同时,小巧的尺寸强行缩短了观者和作品之间的物理距离,带来全新的心理感受,并令最容易被忽视的细节得以放大。




Richard Tuttle, Titel 3, 1978, watercolor and paper © 2019 Richard Tuttle



When Pressure Exceeds Weight XI, 2013 Handmade paper relief in3 colors 67.3 × 53.3 cm



塔特尔对于线条的使用也是他的标志性手法之一,这些或实在或虚拟的线条在他过去半个世纪的创作中被不断地重新改造革新。在他自1971年开始创作的“Wire Pieces”系列中,他使用3种线条——细铁丝的实体线条、绘于墙上的铅笔线条,以及铁丝在墙上投下的阴影线共同组成图案,以一种极为轻巧的方式拓展着绘画的空间边界。



Richard Tuttle, 20th Wire Piece, 1972, wire, nails and graphite © Richard Tuttle, photo by Alise O'Brien Photography



Blue In The Corner, 2014 Aquatint and ceramic arc in clear acrylic tube, on painted wood base 95.3 × 40.6 × 40.6 cm



理查德认为:当我们创造伊始,就像一条蛇盘聚在脊椎尾部的三点五英寸。这条蛇就顺着我们的脊柱爬上来。这种激进程度在于作品尺寸之小,墙体之大。艺术家必须处于非常谦虚的位置来看艺术。艺术家个人面对的可能是世界或者空间。究竟谁是人类?谁是艺术家?每种艺术类型,面对微观宇宙和宏观宇宙之间的关系,简单并且直接地创造出来的东西其实是作品的空间位置。一英寸的作品那么大,而另外一个伟大的作品或许很小(形容空间墙壁)。



Richard Tuttle, Five, 1987, wood, canvas, fabric, acrylic paint, nails, copper wire, and linen thread © 2019 Richard Tuttle



Richard Tuttle, New Mexico, New York, D, #13, 1998, Synthetic polymer paint on plywood © 2019 Richard Tuttle,纽约MoMA馆藏



谈及早年特定时期越战时期的悲剧(形容历史的状态),理查德感到非常悲伤,必须去进行创作。不知道中心在哪里,看不到和看得到的边缘形质。艺术家越了解规则就越自由。那些尊敬历史和未来的艺术家们,没有从背景角度判断正反和对与错。作品一半在纸上一半在空间里,无限制和受限制,渺小和巨大,用这种方式表现出背后的肌理看上去它会透明。理查德说:“我并不是一个激进主义者,极简主义解决一切问题但是无法解决背景问题。了解和知晓墙壁和纸之间的距离,它并不是透明的,只是不断逼近这二者之间的距离。艺术家既不是物质主义但是他又那么物质,好像雅典娜是所有的神的合一。艺术只能帮助我们在情感和混杂世界里找到归宿。我认为自己一会儿很暴力,一会儿又很被动,只有艺术和艺术家才能接受我含混的天性。极简主义解决一切问题但是无法解决背景问题,它是政治性的、它是一个美好的瞬间。我希望自己是模仿者,模仿另外一个世界,出发和结果是完全不一样的,作品是上帝给予的礼物,它们具有当代性。”



A long, long time-- whoa!, 2018 Wood, acrylic, styrofoam, cotton 97 × 83.6 × 12 cm



--that's the beautiful thing, 2018 Wood, fabric, acrylic, wire mesh, paper 210.5 × 151 × 11 cm



谈到《线的作品》,瓦伦西亚博物馆冈萨雷斯的展览是策展人要求我出面重新策划一下的。当时我的想法就是所有作品放到大厅中间。然而,在布展过程中我发现墙壁都挨不到地板,离地板有三英寸距离。这个空间吸引了我,就好像冈萨雷斯给我的一个启示:偷走天使的灵感或者还给天使的灵感。这件作品其实在天花板上还有一个部分,这是雕塑的想法。既然这条线来到天花板,那边它的终结在哪里呢?”



It looks different Yeah, it does look different, 2018



Healthy Cookies, 2011



这件作品的瓷砖是由西班牙手工制作而成,古往今来墙壁保持着不变的形态。在看待当代世界作品的边界,不要用镜子来设定这个世界,经历世界具象的变化,幻象和具象。我会对此作出反馈。艺术不是单独从某个人开始的,至少是从二个人开始。比如把一听可乐易拉罐-打开、玩和拧它挤压它探讨它的可能性,这种过程就是艺术的当代性,打开本身也是一个过程。



Looking for Love I, 2015 3-color aquatint 55.9 × 76.5 cm



Indrah, 2013 Mixed media in 5 colors 45.72 × 38.1 cm



关于对作品的平衡点,寻找头脑里原本有的一些风景,这个风景是我们可以行走其中的。不过,我对神秘的风景并不感兴趣,我喜欢的是关于我们是谁?我们为什么要被创造出来并生活在这个世界之中,寻找关于存在,人类已经找到了与自己的关联,了解自己的风景,需要逆向的方法去理解形式,取得形式上的意义,对形式的热爱会使我们桎梏在故有的词汇当中。



The Inevitable Husband, B, 2015 10 color linocut with embossing, hand drawn title and signature elements by the artist 61.6 × 95.3 cm



Tile, IV (seven inches), 2011 Durango earthenware clay with black slip, cooper wire, and painted white wooden frame 21.9 × 21.9 × 5.7 cm



观众提问:20世纪70年代艺术家和你一起创造的社区是什么样的?


理查德:像约翰凯奇,当时出现了两种前卫主义,当代艺术的发展让我越来难以跟上,所以我的梦想就是能够跟上艺术的潮流。我要一生不停歇地找到继续为艺术服务的道路。普世的体系,就像人每天早上醒来就要对艺术做出奉献和服务,这是我对自己的界定。在创作中放纵自己,我现在就能感觉我手指发麻。我就想问我自己:“为什么我会这么激动啊?”我用了一把锯子,不小心据到了我的手指,我不想去医院,当时就认为作品比生命重要。至今,我还记得当时手指的痛。只是,当时是麻木的。不论发生什么,就是要做出来。这样来主导我们的人生。

(朮ART联合艺术家何岸于2019年3月17日央美学术报告厅记录并整理)


Other, 2009 Hand formed pigmented paper pulp on handmade wooden brackets 63.5 × 137.2 × 8.6 cm


Four-light chandelier (Prototype), 1991 Wood, PVC and metal chain



New York, New Mexico, 1998



Source of Imagery (Modification), 1995-2010 Wood and styrofoam, wooden block 119.4 × 125.7 × 26.7 cm



Source of Imagery, 1, (Don Giovanni), 1994 Plywood, acrylic paint, wooden block, plastic tubing, and bottle brush 50 in diameter 127 cm diameter



佩斯画廊于2011年、2012年、2014年及2016年为塔特尔举办了四次纽约个展 © 2019 Richard Tuttle







“青年极简”艺术作品征集  

 MINIMALISM OF NEW GENERATION 



报名日期

2019年8月21日—9月14日


征集对象

40岁以下,性别、职业不限;长期致力于艺术语言的极致化探索,对现代主义特别是极简主义有深入研究,在极简艺术中融入当代社会和人的现实、心理特征,发展出独具一格的艺术方法论和艺术语言。带有前沿的实验性或回向传统的东方精神,具有纯粹的视觉呈现和强烈的个人风格,构建出个人化的艺术与哲学观点。 


入选呈现

1、作品将收录发表于《库艺术》第64期专题

“过程与偶发-中国当代艺术家的方法论构建”

2、《库艺术》新媒体聚合媒体平台个案推广

3、从中甄选参加北京光语美术馆“青年极简”专题展览计划


提交内容

1、5幅代表作品及近作, 图注完整( 名称、尺寸、材质、创作年代)

2、完整的近期简历一份(生平、重要展览、现职业、现居地)

3、个人作品自述(或评论文章或访谈资料)

4、个人照片及微信,电话联系方式


投稿方式:kuart@126.com

微信咨询:kuyishu001

电话咨询:010-84786155






 过程与偶发 

 中国当代艺术家的方法论构建 

 PROCESS AND INCIDENT 


过程与偶发 | 《库艺术》全新专题策划聚焦“艺术家的方法论构建”

方法论构建 | 朱其:今天如果要有新的语言方法的创造,必须迈过跨学科知识集成和技术集成这两个门槛

方法论构建 | 尚杰:从来没有一个时代,艺术与哲学如此接近

方法论构建 | 方振宁:重要的是视觉语汇的创造

方法论构建 | 王春辰:无论何种文化系统,只要把它转化为中文就都是我们的

方法论构建 | 王南溟:艺术语言可以变成一个实验体,不停地突破原来的定义和框架






 《库艺术》特别出版 

《谭 平》特刊 

 TAN PING 





一本杂志

就像一个经历繁复运算后得出的

简洁的数字

带你认识一个不一样的”谭平“



为中国当代最重要的抽象艺术家之一,谭平的艺术不仅有绘画,还涵盖了版画、装置、影像以及空间艺术等多种创作媒介。在几十年的艺术实践中,它们逐渐构成了一个不能被轻易解读和论述的复杂系统。

《库艺术》“谭平特刊”在详细梳理谭平历年创作的基础上,试图寻找到理解谭平艺术的全新视角和脉络。从谭平艺术与现代主义的关系,他对时间与空间的理解,版画训练对他的艺术方法论的影响以及看似理性严谨的工作方法背后的精神要素等诸多方面进行深入解读,其中多篇文章为首次发表。在本书中谭平与编者进行了深度对话,话题涉及许多之前未曾涉及的方面。本书还最新整理发布了谭平1982-2018年作品系列年表,具有很高的文献价值。




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